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Triada menor. Utilizar arpegios en los solos

Arpegios de la Triada Menor 

Ya vimos en su día los arpegios de la Triada Mayor, ahora es el turno de los de la Triada Menor, que difieren de los mayores en que tienen una tercera menor o bemol. Así, su estructura es: 1 3b 5…frente a la 1 3 5 de los mayores.

Hay que decir que los arpegios valen para tocar sobre cambios de acordes, y no sobre una progresión armónica al igual que hacemos con una misma escala (siempre y cuando esté todo en la misma tonalidad claro). Eso sí, no hace falta tocar el arpegio exacto de cada acorde. Si por ejemplo queremos tocar un arpegio sobre un G mayor que es Grado I, yo podría hacer el propio arpegio de G mayor (lo que se suele hacer al principio), cualquiera que se genere dentro de ese Grado I (Gmaj7, G6, Gsus4 o sus2, etc), e incluso arpegios de los relativos o acordes sustitutos (es muy común por ejemplo tocar sobre un G mayor Grado I el arpegio de Em7 o de Bm7…acordes relativos con los que conseguimos notas de color añadidas), etc. Es decir, que los caminos o las opciones que se nos presentas son múltiples.

De todos modos lo normal al principio es centrarse en tocar el arpegio de cada acorde que va sonando, sin más. También es muy habitual tocar sobre acordes complejos arpegios sencillos. Por ejemplo, si es una armonía de jazz con séptimas y tensiones diversas quedará más contemporáneo usar los arpegios de la triada sobre ellos.  Aparte de ser los arpegios más complejos…los de 4 o 5 notas son más parecidos a una escala y se digitan más fácilmente…pero las triadas, al tener tan pocas notas, generan digitaciones intrincadas que hay que trabajar de forma muy metódica.  Pero si nos hacemos a ellos, luego acumular notas (la séptima, la 2ª o 4ª añadida, etc) será un paseo. Es como las escalas diatónicas, que la mejor forma de aprenderlas es a partir de las cajas de las escalas pentatónicas, a las que solo hay que implementar dos nuevas notas. Os decimos esto porque es un método que funciona (tanto para acordes como para escalas y arpegios) es empezar por las cajas más sencillas de 3 notas a las que luego se van incorporando elementos por un natural proceso de acumulación. Os aseguramos que esta es la forma más rápida y práctica…yendo de lo más sencillo a lo más complejo.

triada-menor

 

Adaptando los arpegios mayores:

Entremos en faena. Lo primero es aprenderse meticulosamente los diseños a lo largo de todo el mástil. Si ya te has aprendido los mayores vistos anteriormente, la cosa es coser y cantar: solo has de bajar un semitono a las terceras. Sí que es importante recalcar que cuando te aprendas los arpegios seas consciente de cuál es cada nota (dónde están las tónicas, las terceras y las quintas). De este modo, además de poder dirigir tus fraseos hacia las notas que desees en cada momento, tendrás el añadido de poder cambiar rápidamente de un arpegio a otro si sabes qué intervalo hay que modificar.

En el caso de los menores, si tenemos bien identificadas todas las terceras mayores ya aprendidas solo habremos de bajarlas un semitono y listo. Eso sí, es importante adaptar las digitaciones a la nueva disposición generada. Por ello hemos incluido los dedos que consideramos más recurrentes para estos nuevos arpegios (solo para aprendértelos y colocar los dedos…cuando hagas solos o melodías podrás trabajar ya de forma más libre los dedos, lógicamente).

Empieza aprendiéndote bien 2 o 3 posiciones y a partir de ahí empieza a practicar sobre cambios de acordes para ir haciéndote a ello. Como siempre: estúdialo muy lento y con metrónomo…esto siempre es lo más importante.

¡Suerte y a trabajar!

 Fuente: Desnudosdeetiquetas.es

 

imagen arpegio guitar

Triada mayor. Utilizar arpegios en los solos.

Arpegios de la Triada Mayor

Una de las cosas más importantes a la hora de hacer melodías e improvisar es dar con la nota adecuada en cada momento. Para hacerlo hay muchos caminos: aprendiendo las interválicas desde cada tónica, diseccionando las escalas al milímetro…o empezando con los temidos arpegios. Así que, sin dar más rodeos, hagamos una primera incursión en los de la triada mayor.

Triadas vs tetradas/cuatriadas

Estamos acostumbrados a tocar los arpegios (a nivel melódico y escalístico) por lo general con 4 notas. Sin embargo no solemos pasar por las triadas, por ser las más complicadas de tocar melódicamente al tener solo 3 notas repartidas por todo el mástil. Pero su uso y sonoridad son tan genuinas y habituales que es primordial empezar con ellas antes de pasar a lo siguiente…que en el fondo luego es una simple acumulación de notas (añadiendo sobre los esqueletos triada las séptimas, las segundas, las cuartas, etc). Un apunte: como sabrás los arpegios valen para tocar sobre un solo acorde (a veces más, por supuesto), pero no sobre toda una misma progresión como haríamos con una escala del tono en el que estemos. La idea de trabajar los arpegios es para poder incorporarlos entre medias de escalas, haciendo que ambos rudimentos suenen con fundamento integrados dentro de un todo común.

Diagramas

Lo primero, como te puedes imaginar, pasa por aprenderse al dedillo los dibujos a lo largo de todo el mástil. La idea no es darse un atracón tocando todos a lo bestia nada más empezar, sino que lo suyo es ir de uno en uno hasta lograr visualizar cada diseño desde cualquier tónica de manera precisa. Practica un par de posiciones hasta que te sientas cómodo. Por supuesto huelga decir que lo estudies muy lento y con metrónomo…esto siempre es lo más importante.

triada menor

 

Insisto, no es necesario que los aprendas todos, simplemente selecciona con el que te encuentres más a gusto y practícalo. ¡Ya puedes incorporarlo a tu repertorio!.

Musicalidad

El siguiente paso ya sería intentar dar musicalidad a lo aprendido, convirtiendo las secuencias en frases melódicas que nos valgan igualmente para construir melodías o fraseos. Como muestra aquí tienes un posible solo melódico escrito por Javier Santos sobre una sencilla progresión en A mayor (toda con acordes mayores obviamente).Verás que primero te transcrito una línea base con secuencias para que te vayas haciendo a los dibujos dentro de una misma zona, y a continuación lo mismo pero ya desarrollado más en plan solo partiendo de la misma idea. Es fundamental que cojas como filosofía el intentar realizar los arpegios de cada acorde dentro de una misma zona, así lograrás tocar todo casi sin moverte…realizando líneas en las que las notas no peguen saltos interválicos demasiado grandes (y es que lo más melódico se genera cuando las notas efectúan saltos pequeños, favoreciendo así la continuidad más o menos de notas). Suerte y a trabajar duro…verás cómo acercándote a los arpegios tu forma de tocar va adquiriendo una dimensión mucho más musical y melódica.

Arpegios-mayores-solo

Fuente: Desnudosdeetiquetas.es (Javier Santos).

 

blues

Blues….un vistazo rápido

Un poco de historia….

blues

Eric Johnson

El Blues es un estilo musical con raíces en África pero que se desarrolla en Estados Unidos pasando a formar parte de folklore del país. Tiene su origen en los estadounidenses de color cuyos antepasados fueron trasladados desde sus hogares en África a Norteamérica para trabajar como esclavos. Su posterior evolución a lo largo de los siglos lo convierte en un estilo que extenderá su influencia a multitud de nuevas músicas, siendo considerado como la base para poder entender una gran parte de los movimientos musicales contemporáneos; un idioma común que comparten intérpretes de Jazz, de Pop, de Rock…

Si nos paramos a escuchar y comparamos con las piezas clásicas notamos un sonido peculiar. Esa extrañeza armónica parece tener su origen en la mezcla que se produce cuando los esclavistas norteamericanos obligan a escuchar en la iglesia las canciones a sus esclavos. Éstos acostumbrados a cantar en tonalidades menores “adaptan esa escala menor a las armonías mayores que se utilizaban en la época. Esto, por supuesto es solo una teoría y una parte de la historia o leyenda que rodea a este fantástico género musical.

Tocando blues

tocando blues

Antes mencionaba el sonido peculiar propio del blues. Vamos a explicarlo musicalmente con algo más de detalle. El sonido característico del blues es la pentatónica. Se desechan dos notas de la escala para quedarnos con las más estables y que “mejor” suenan. Pero realmente la característica principal del sonido “bluesero” consiste en utilizar la escala pentatónica menor sobre los acordes dominantes propios del blues creando así ese sonido tan especial. Si a esao le añadimos el tritono como nota de paso tenemos la llamada “escala de blues” denominada así por su utilización dentro de este estilo.

 

Para los estudiantes es un estilo muy recomendable. Sus ritmos marcados, su armonía, sus estructuras deben ser comprendidas y estudiadas para que el alumno pueda extender sus horizontes musicales y desarrollar su propio lenguaje de Blues con su instrumento, ya que debido a su difusión, el dominio o por lo menos el basto conocimiento de este estilo, le permitirá poseer un background muy beneficioso en multitud de situaciones.
¡Os dejamos algunos videos sobre este estilos y esperamos que los disfruteis!

 

bajo

BAJO.Controles del intrumento

Es curioso ver cómo la gran mayoría de los músicos que se interesan por el bajo eléctrico y comienzan a tocar este instrumento no prestan la más mínima importancia a los controles del mismo. Los controles de volumen, tono, balance y EQ son elementos que van a hacer que nuestro instrumento nos pueda aportar una paleta de colores más amplia que la que podemos conseguir solo con la disposición de las manos en la pulsación o con la presión que ejerzamos con ellas sobre cada nota pulsada.

Además, la inclusión de pastillas y/o circuitos activos, con sus correspondientes controles, va a aumentar todavía más dicha paleta de timbres.

¿Cómo sabemos si un instrumento es pasivo o activo? Si no contiene ningún tipo de batería (normalmente una pila de 9 V.) es un instrumento pasivo. Si utiliza batería (o baterías) será activo. Sin embargo, ¿todos los que disponen de pila poseen pastillas activas? La respuesta es no. Existen dos opciones:

Bajos activos con pastillas activas. La pila alimenta el circuito para que dichas pastillas funcionen. Si la pila se agota, el bajo no suena. Le provee de posibles controles de EQ adicionales.

Bajos activos con pastillas pasivas. La pila alimenta el circuito que amplifica la señal de las pastillas y le provee de posibles controles de EQ adicionales. Si la pila se agota siempre podemos pasar al modo pasivo y seguir tocando hasta reponer la pila.

¿Cúales son las ventajas o desventajas de cada opción?. No se puede afirmar que un bajo activo, por el mero hecho de serlo, sea mejor que uno pasivo dado que entran en juego otros factores tanto o más importantes, como la calidad de las maderas y de la construcción, los acabados, etc. Sí es verdad que uno activo nos puede proveer de más variedad tímbrica, pero muchas veces también puede esconder una falta de “tono vital” o “sonido fundamental” que en el caso del bajo eléctrico es imprescindible. Muchos grandes bajos eléctricos son pasivos.

El bajo según sus controles podemos distinguir:

1 control de volumen y 1 control de tono .

Tipo Fender Precision. El más sencillo. Sus pastillas son pasivas.

fender-precision

–  2 controles de volumen y 1 control de tono.

Tipo Fender Jazz Bass. Sus pastillas son pasivas. Cada controlde volumen corresponde a una pastilla, de forma que podemos mezclar cantidades dife- rentes de sonido de cada una de ellas y crear diferentes timbres.

jazz-bass

– 1 control de volumen, 1 control de balance y 1 control de tono.

Con el primero controlamos el volumen general en la salida del instrumento. 
Con el segundo regulamos la selección que hacemos de una u otra pastilla y cómo se mezcla su sonido. Con el control de tono modificaremos el brillo o la claridad del sonido.

WARWICK

–  1 control de volumen, 1 control de balance, 2 controles de EQ.

Igual que el anterior pero se elimina el control de tono y se dispone un EQ de graves/agudos. El bajo puede ser pasivo con circuito activo.

music_man

– 1 control de volumen, 2 ó 3 controles de EQ.

Tipo Musicman.

yamaha2

– Cualquiera de las opciones anteriores acompañada de algún tipo de switch (uno o varios) que conmuta la conexión/ desconexión del circuito de EQ.

Hay que señalar que los típicos controles giratorios de tono suelen ser pasivos, en el sentido de que, en su posición máxima suenan con el máximo brillo, y a medida que lo bajamos reducimos el brillo, esto es, le quitamos agudos, pero no le damos más graves.

Seguro que el bajo que tienes entre las manos lo puedes clasificar en alguna de estas opciones. Sea cual sea, seguro que se le puede sacar más partido a su sonido si conoces cómo funcionan cada uno de sus controles y sus características más esenciales. Sólo nos queda interesarnos por ello y experimentar.

Fuente: Artículo integro prodecente de Iñigo Corcuera
Coordinador del Dpto. de Bajo de MrJam CMM

http://www.backtomusicschool.com/controlando-los-controles/

diablo

Tritono. La Nota del Diablo

¡Hola!

Hoy comentaré algo sobre la llamada “nota del diablo” o  “tritono”. Realmente se ha hablado (y sigue hablando mucho sobre esto y vamos a tratar de aclarar un poco de que se trata. Vamos a empezar por el origen del término.

Origen

La historia se remonta a la Edad Media, la Iglesia sostenía la idea de que el Diablo se colaba en la música a través de un intervalo musical llamado de cuarta aumentada o de quinta disminuida, Tritono o “Diabolus in Música”. En realidad la palabra tritono hace referencia a la distancia de tres tonos que hay entre dos sonidos. Es decir, la llamada nota del diablo no es una nota sino dos establecidas en una distancia correspondiente. 

tritono

Tritono

¿Por qué pensaban en el diablo cuando escuchaban esto?
Se identificaba al tritono como la Nota del Diablo por la gran tensión que genera. En otras palabras, no es un sonido agradable sino más bien de tensión, muy chocante, y en aquel tiempo la gente se asustaba cuando oían algo con estas características. Vale pensar que en aquel momento se entendía que el arte, tanto en la música como en la pintura, debía representar todo lo divino y lo bello, por lo cual se termino creando el mito de que aparentemente era el sonido que se usaba para invocar a la bestia.

Es un sonido fácilmente identificable por lo que  fue prohibido por la Iglesia Católica porque supuestamente era utilizado con fines “demoniacos”.

Black Sabbath como referente
Años más tarde, el grupo Black Sabbath retomó el Tritono como parte esencial en la construcción de los riffs que componen sus canciones y así se dio el nacimiento del heavy metal.
Sin Embargo, y según confesión del propio guitarrista de la Black Sabbath, Tony Iommi, fue de casualidad. “Cuando comencé a escribir el material de Black Sabbath simplemente buscaba algo que sonara bien. Nunca pensé que iba a hacer música demoniaca”.
La idea era encontrar “sonara realmente malvado y oscuro” pero admite que quizás inconscientemente fue influenciado por otras músicas, y que nunca buscó invocar al Demonio. “Antes habíamos estado tocando un blues con influencias de jazz. No sabría definirlo correctamente, ya que no sé leer música. No conozco la terminología para nada de eso. Escucho todo tipo de cosas, diferentes estilos, jazz, blues, música clásica, todo eso ha influido en mi composición”.

Hoy en día gran cantidad de bandas utilizan conscientemente el Tritono. Aqui os dejamos algunas canciones que lo utilizan para que podais comprobar vosotros mismos de lo que estamos hablando.

 

Canciones que utilizan el tritono



 


Fuente: http://www.escribircanciones.com.ar/icomo-componer-musica/176-diabolus-in-musica-el-tritono.html

Metrónomo online

 

metrónomo

metronomo online

¡Hola a todos!

Seguro que ya todos sabeis que para los músicos es fundamental el metrónomo. Gracias a él podemos llevar un tempo adecuado y, además medir nuestros progresos.

Aqui os dejamos un metrónomo online para cuando necesiteis practicar. ¡Tan sencillo como pincharen el número de la rueda que representa los bpm y ya está sonando!

¡Salud y suerte con la práctica!

www.academialem.com

P.A.¿QUE ALTAVOCES ME COMPRO?

P.A.  (de las siglas del inglés Public Address) es un sistema de refuerzo de sonido o megafonía empleado para dirigir el sonido principal de una actuación o concierto al público asistente en la sala. Suele ser el sistema que más potencia emplea, debido a que ha de cubrir todo el espacio dedicado al público, adaptarse a la acústica propia del local y salvar la absorción que ofrece el público asistente a su vez.

P.A. CONFIGURACIÓN ACTIVA

Los altavoces activos son cajas en las que se encuentran integrados todos los componentes necesarios para que “suene” el altavoz. El previo y la etapa de potencia y el altavoz están integrados en una solo unidad. Es similar, para los que seais guitarristas o bajistas al combo, en el que también está todo integrado.

P.A. CONFIGURACIÓN PASIVA

Los altavoces pasivos son cajas que necesitan de una unidad de potencia externa para funcionar. Es decir, la etapa de potencia no está integrada en la misma caja. Los elementos de una configuración pasiva están separados unos de otros lo que dificulta su transporte pero facilita las reparaciones y los cambios.

Ventajas y desventajas

Las cajas activas al ser todo-en-uno no necesitas buscar los componentes por separado y sabrás que sonará bien en todo momento.

Las cajas activas facilitan el transporte. Llevamos todo el equipo en un solo movimiento. Al tener todo integrado en una sola unidad cuando agarramos una caja llevamos a la vez la etapa, el previo y el altavoz.

Las cajas activas son más flexibles. Al llevar integrada su etapa de potencia es fácil ir sumando (o restando) equipo según lo necesitemos. Por ejemplo, si tenemos un bolo pequeño llevamos dos cajas pero si tenemos uno grande llevamos cuatro cajas y así duplicamos la potencia sin despeinarnos. Con esto conseguimos no llevar más equipo del necesario cuando nos desplazamos con los inconvenientes que esto supone.

Las cajas activas pesan más que las cajas pasivas lo que dificulta su transporte. Al llevar integrada la etapa de potencia son sensíblemente más pesadas que sus hermanas pasivas.

Las activas son más caras. Una configuración activa es más cara que las pasivas (de la misma potencia claro). Y en igualdad de precios las pasivas suelen ser equipos de mejor calidad.

Las cajas activas son más difíciles de configurar y sustituir componentes. No podemos hacer variaciones sobre nuestro equipo. Si queremos cambiar la etapa  o se estropea no podemos desligarla del resto del equipo. Sin embargo en el caso de las pasivas si se estropea la etapa por ejemplo y lo queremos cambiar resulta mucho más barato al tener la etapa fuera de la caja.

CONCLUSIÓNES

En general los altavoces activos están recomendados para actividades que requieren que sean transportados constantemente. Si tocas en un grupo de música o de teatro que se mueve constántemente será mucho más cómodo y efectivo el sistema activo. Además si en algún momento necesitas más potencia puedes añadir más altavoces y aumentar tu potencia de salida poco a poco.

Si por el contrario el destino de los altavoces es estar fijos en un lugar la mayor parte del tiempo quizá lo mejor seria la alternativa pasiva. Son más baratos y se puede obtener un equipo de gran calidad. La ventaja de saber previamente que potencia vamos a necesitar nos da ventaja al respecto. Lo recomendamos por ejemplo para equipos en salas donde se van a mantener fijos y ya se sabe de antemano las dimensiones de la sala lo que ayuda a la hora de afinar la potencia necesaria y adquirir.

p.a.

p.a.

www.academialem.com

 

¡ESCALA MENOR ARMÓNICA FÁCIL!

menor armonica

Escala menor armónica

 

En esta entrega hablamos de la Escala menor armónica. Es una escala bastante utilizada y muy reconocible por su sonido “especial” del que ahora hablaremos.

Vamos a empezar por el principio. Una escala es un grupo de notas que siguen un orden natural de los sonidos. La mayoría utiliza siete notas a la que sumamos la primera para completar la escala (la octava). La diferencia entre ellas radica en la distancia de las notas entre si a medida que las vamos tocando.

Cuando nuestro oído escucha la primera nota ahi ya estamos “pillados”. Da igual que sea un La que un Do. Lo importante es la nota que viene después y después de esta y así sucesivamente. Ésto lógicamente es un ejemplo muy general pero para entendernos rápido digamos que la primera nota marca la tonalidad y las demás nos van llevando por sonoridades menores, mayores, etc.

La escala menor armónica es una escala musical occidental utilizada en el contexto de la música tonal. La escala menor armónica consiste en una alteración del Modo eólico también llamada escala menor natural. Para generar un acorde dominante construido a partir del quinto grado de la escala (necesario en el sistema tonal), se altera el séptimo grado de la escala subiéndolo medio tono, logrando así una escala menor armónica. Por eso el nombre de escala es menor armónica, porque su creación fue por razones armónicas.

Es una escala artificial porque no proviene de la escala mayor como sí lo hace la escala menor natural. La diferencia entre ambas escalas es el séptimo grado ascendido medio tono. Es decir, tocamos la escala menor natural pero el 7b la pasamos al 7. Lógicamente, para diferenciar la escala de la menor natural de la menor armónica, deberás resaltar la nota en que se diferencian. Es decir, el intervalo 7.

Al tocarla da la impresión de ser una escala árabe. Es la sensación que provoca la distancia de tono y medio entre el sexto y séptimo intervalo. Esta es una escala que encaja a la perfección sobre una progresión ii-V menor y que dependiendo del contexto puede tener un aire latino, gipsy jazz, árabe, metalero…

Graba una progresión ii-V-i (menor) y practica la escala menor armónica sobre ella, verás como enseguida te empiezan a sonar frases y vas hacíéndote a la sonoridad. Recuerda que debes jugar con el intervalo 7 para obtener el sonido característico. Un ejemplo puede ser Am-D7-G. También suena bien sobre acordes menores (m7, m9, m11, m 5# ).

Si quereis escuchar cómo suena podeis echarle un ojo a este video:

http://www.youtube.com/watch?v=eMmFuO3lZTA

Y aqui teneis una frase basada en la escala cortesia de Bloguitar.com:

http://bloguitar.es/ejercicios/licks/lick-en-sol-menor-armonico#.Umvy0PktxbV

Fuentes:

JOE SATRIANI….UN VISTAZO (II)

 

Satriani

Joe Satriani

Continuamos echando un vistazo a Joe Satriani. En la entrega anterior lo presentamos ofreciendo su discografía y comentando algunas pinceladas del estilo. En esta ocasión hemos seleccionado para vosotros unos temas que pueden definir su estilo con bastante exactitud. Hemos intentado salirnos un poco de los grandes éxitos para que, los que ya conozcáis a este artista podáis descubrir, quizá algo nuevo de él.

Conociendo a Satch a través de sus temas

El primer tema que hemos elegido demuestra todo su valor melódico y su calidad como instrumentista desmarcándose de la velocidad extrema para llevarnos por un blues onírico muy en la estela de Sleep Walk de Santo y Johnny Farina que el propio Satriani versiono en su Album de 2002 (Strange Beautiful Music) . Conectando con el rock de forma muy honesta, casi sin utilizar efectos (Satch en directo utiliza menos efectos de lo que puede parecer en un principio). Es un tema magnífico en el que Satriani demuestra todo su virtuosismo sin necesidad de “correr” por el mástil. Delay muy sutíl, bendings elegantes, una estructura melódica aparentemente sencilla pero con un background compositivo muy fuerte. Las melodías de Satch se distinguen por la facilidad con la que pueden ser cantadas. Con todos vosotros…Down down down.

En el siguiente tema se puede apreciar los ligados que lo identifican como guitarrista en este homenaje a la distorsión llamada The Souls of Distortion del Album Is there love in space? (2004). Utilizando una fuerte distorsion y un wah-wah muy exagerado le hace todo un homenaje al sonido cañero en este tema.

A continuación dos temas muy potentes de Satriani.  Tenemos aqui dos clásicos que apenas requieren presentación y que os invitamos a que los escuchéis aquí. El primero de ellos es Surfing with the Alien y el segundo, más tranquilo Flying in a blue dream. Ambos son singles de su disco homónimo y son muy característicos del estilo del artista que nos ocupa. Judgad vosotros mismos…

Para finalizar os dejo aqui, a título personal uno de mis temas favoritos lanzado en el año de los JJOO en Barcelona. Se llama New Blues (The Extremist -1992-)  y creo que nos ofrece gran parte de las señas de identidad de este gran músico. Atentos a la parte de la intro con un tapping a dos manos muy bonito y elegante. despúes de una melodía muy suave se desata con un solo potentísimo al más puro blues-rock con influencias contemporáneas y lo remata con un tapping con púa también muy característico. Disfrutad!

Satriani Vs Coldplay

No queremos dejar de comentar la polémica suscitada con Coldplay. Para los que aun no lo sepáis Coldplay fue acusado de plagio de uno de sus temas. Los temas envueltos en polémica son If I Could Fly (Satriani) contra Viva La Vida (Coldplay). La sentencia no se llego a producir porque se llegó a un acuerdo extrajudicial en 2009. No se si eso equivale a reconocer el plagio o a no darle más vueltas al asunto pero aqui os dejamos ambos temas para que , una vez más juzguéis vosotros mismos. Por cierto, posteriormente se dice que el plagio proviene de más atrás ….1973 – Cat Stevens, “Foreigner Suite” o 2002 – Enanitos Verdes, “Frances Limón”.

Chickenfoot

Además de seguir con su carrera en solitario actuálmente Satriani toca con un grupo con otros influyentes musicos en Chickenfoot es un supergrupo de origen estadounidense, que fusiona diversas tendencias musicales como el agro/rock, el heavy metal y el hardrock. El grupo está integrado por el vocalista Sammy Hagar (ex-Van Halen, y Montrose), el bajista Michael Anthony (también ex Van Halen), el guitarrista Joe Satriani y el baterista Chad Smith (de Red Hot Chili Peppers). Su primer álbum fue lanzado el 5 de junio de 2009 en Europa y el 7 de junio en los Estados Unidos. Aqui teneis un a muestra de lo que hacen...Oh Yeah!

Hasta aqui el recorrido con nosotros por la estela de Satriani. Esperemos que hayais disfrutado del viaje.

Material de referencia: wikipedia y 6×3

JOE SATRIANI…UN VISTAZO (I)

 

satriani

Joe Satriani

En esta ocasión vamos a hablar de Joe Satriani. Sin duda uno de los músicos más influyentes de nuestro tiempo sobre todo a lo que a técnica de guitarra se refiere.

Cuando me acerque al mundo de la guitarra tengo que reconocer que solo conocía a Satriani de oídas. No sabía muy bien donde ubicarlo musicalmente hablando puesto que no estaba en la órbita de la música comercial y tampoco sonaba en Radio 3 por poner un ejemplo. Al menos yo no lo tenía ubicado dentro de la “música alternativa”.

Joe “Satch” Satriani es un guitarrista de rock instrumental, que ocupa el lugar 26 en el ranking de los más grandes guitarristas de la historia según la Rolling Stone. Ha recibido 15 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.

Es muy conocida su faceta de profesor (tarea que comenzó con la escalofriante edad de 16 años) y, entre cuyos alumnos se incluyen: Steve VaiMarty Friedman (Ex-Megadeth), Alex Skolnick (Testament), Andy TimmonsLarry LaLonde(Primus), Reb BeachRick Hunolt (Ex-Exodus) y Kirk Hammett (Metallica) o Tom Morello (RATM)

Joe Satriani ha sido reconocido desde sus inicios como un músico de elevadísimo nivel instrumental. Es un músico tremendamente versatil capaz de dominar estilos muy variados. Sin embargo ,ha destacado no sólo como un gran guitarrista, sino también por su calidad de multinstrumentista. aunque la guitarra es su instrumento principal demuestra ser capaz de tocar varios instrumentos. Esta habilidad queda plasmada en sus discos por sus ejecuciones de armónica, teclado, bajo, canto e, incluso, un solo de banjo en el concierto acústico que Stevie Ray Vaughan grabó para MTV en el año 1989, publicado en 1990.

Su estilo ha trascendido en casi tres generaciones musicales, y a día de hoy es un respetado referente de la música moderna, tanto por sus discos como por sus clínics y lecciones, en las que enseña a guitarristas de todo nivel su técnica a la hora de tocar. se caracteriza sobre todo por su técnica de “legato”. en lugar de realizar rápidos pasajes de púa alternada se ayuda exclusivamentente de su mano izquierda.

DISCOGRAFÍA

En el siguiente artículo nos acercaremos a su música pasando por una selección de canciones. Hasta la próxima semana!

Referencia: Wikipedia