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Pedales baratos y otras cosas que sirven al músico

Hola a todos!
Esta ocasión voy a hablaros de los pedales que utilizamos los músicos sobre todo los guitarristas y de su calidad.
Todos los que tocamos hemos que es muy importante tener instrumentos de material de calidad afecta mucho a nuestro sonido, aunque como sabéis no tanto como lo hace nuestra manera de tocar. El comprar unos u otros materiales afecta pero es conveniente distinguir cuál es de ellos nos merece la pena gastarnos más dinero. Sobre todo si no tenemos un poder adquisitivo demasiado elevado (los que tengáis un buen poder adquisitivo podéis dejar de leer ;-).
Para empezar voy a hacer un pequeño resumen de los tipos de pedales. Nos preocupéis que va ser muy rápido.
Los pedales en los que a mi juicio hay que dedicarle la mayor calidad son los que colocamos antes del previo es decir overdrives, wah, distorsión etcétera.
Por el contrario los que debemos dedicar menos atención son los que colocaremos en el bucle de efectos, es decir por detrás del previo. Me refiero a efectos como el delay, reverb…..
La razón por la que os propongo esto es porque los pedales que van antes del previo afectan directamente a la señal de la guitarra sin embargo los que van después añaden color o juegan con la señal ya creada.
Para ilustrar el ejemplo mejor os voy a hablar del del delay. Como sabéis, es un efecto que sirve para repetir un sonido. Para repetir ese sonido con una cierta calidad no es necesario un pedal muy bueno porque lo único que va hacer es repetir un sonido. Si, ya sé que tenemos los true-bypass y demás pero la pregunta del millón es la siguiente: ¿Merece la pena gastarse 200 € en un pedal que repite lo que acabamos de hacer?. Es la pregunta que os tenéis que hacer. Sin embargo, ¿merece la pena gastarse esos mismos 200 € en un over drive que afecta directamente a la calidad de nuestra distorsión?.
Repito, si el dinero no es un problema tampoco lo son estas preguntas pero si queréis ajustar la respuesta debe de ser NO a la primera y SI a la segunda.
Eso es todo por hoy. A guitarrear!

Óscar Sisniega Martín
Www.academialem.com

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LICKS MIXOLIDIOS

LICKS MIXOLIDIOS (autor Javier Barral)

Hola, aquí tenéis otras cinco ideas Licks con pasos cromáticos pensados para un G Dominante Mixolidio. La base armónica hace un II  V  ( D – 7 9 , G 7 13 ). La idea de estos licks es resolver siempre en notas de la propia escala, y que los cromatismos sean de paso.

Debajo de cada lick están en color rojo los dedos que usaremos de la mano izquierda.

Si quereis escuchar los audios teneis el artículo original aquí publicado por JAVIER BARRAL:

http://www.guitarrista.com/noticias/licks-mixolidios-2/licks-mixolidios-2   (artículo integro)

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Cambiar las cuerdas de nuestra guitarra eléctrica

Hola.
Vamos a intentar explicar cómo se cambian las cuerdas de una guitarra eléctrica.
Primero vamos a coger lo que necesitamos para hacer los cambios necesitamos una guitarra eléctrica un juego de cuerdas, un alicate y un afinador.
Lo primero que tenemos que saber es que no se deben quitar todas las cuerdas de la guitarra a la vez porque el mástil perdería tensión. Es recomendable ir quitando una a una las cuerdas e ir reemplazando las viejas por las nuevas.
Cuando quitemos la primera cuerda podemos aprovechar para aflojar un poco las cuerdas y limpiar el diapasón más cómodamente.
Lo primero que debemos hacer es desarrollar una a una como se dicho las cuerdas de la clavija y la sacamos por los agujeros que vienen detrás de la guitarra.
Cuando hayamos sacado la cuerda procedemos a meter la nueva cuerda hasta que haga tope con la bolita que hay en su extremo. Debemos tener cuidado con no pincharnos con el otro extremo que no tiene la bolita porque podemos hacernos algún pequeño corte.
Para saber cuánta cuerda debemos de utilizar al meterla de nuevo en el clavijero procederemos de la siguiente manera. Lo que haremos será coger la cuerda pasarla por la clavija y separarla más o menos un palmo del mástil esa manera sabemos que nos quedará cuerda suficiente para poder enrollarla.
Una vez hecho eso procederemos a enrollar la cuerda girando en el sentido que nos marque cada cuerda
Mientras enrollamos la cuerda debemos mantenerla presionada con la otra mano para que no se salga. Una vez enrollada la cuerda quitaremos el sobrante con el alicate.
No se deben utilizar otro tipo de herramientas como tijeras o similar pues lo único que conseguiremos es quedarnos sin ellas.
Una vez hemos hecho todos los pasos con la guitarra ya tenemos nuestras cuerdas cambiadas y listas para usarse. ¡¡Ahora toca afinar!!.

Afinando…

Para afinar necesitamos la ayuda de una nota externa. Podemos utilizar un diapasón como se hacía antiguamente para conseguir la nota de referencia pero lo mejor y más cómodo es utilizar un afinador que son baratos y nos facilita mucho el trabajo.
Mientras vamos afinando las cuerdas vamos estirandola para que se vaya ajustando más rápidamente a su tensión original esto se debe hacer suave pero con firmeza porque tenemos la posibilidad de que se nos rompa la cuerda que acabamos de cambiar. Sobre todo la primera. Éste gesto se debe repetir unas cinco veces a medida que vamos afinando la cuerda.
Para terminar decir que las guitarras llevan diferentes tipos de calibre según el gusto para daros una idea deciros que las de tipo Strato suelen llevar cuerdas de 0,009 mm en la primera mientras que las guitarras tipo Les Paul suelen llevar del 0,010 mm en su primera cuerda.
Pero por supuesto esto es opcional para cada guitarrista. Y también contamos con la posibilidad de juegos mixtos.
Hasta aquí el los consejos para cambiar las cuerdas de la guitarra. Esperamos que os sirva de utilidad y disfrutéis de vuestro nuevo juego de cuerdas sin problemas.

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Triada menor. Utilizar arpegios en los solos

Arpegios de la Triada Menor 

Ya vimos en su día los arpegios de la Triada Mayor, ahora es el turno de los de la Triada Menor, que difieren de los mayores en que tienen una tercera menor o bemol. Así, su estructura es: 1 3b 5…frente a la 1 3 5 de los mayores.

Hay que decir que los arpegios valen para tocar sobre cambios de acordes, y no sobre una progresión armónica al igual que hacemos con una misma escala (siempre y cuando esté todo en la misma tonalidad claro). Eso sí, no hace falta tocar el arpegio exacto de cada acorde. Si por ejemplo queremos tocar un arpegio sobre un G mayor que es Grado I, yo podría hacer el propio arpegio de G mayor (lo que se suele hacer al principio), cualquiera que se genere dentro de ese Grado I (Gmaj7, G6, Gsus4 o sus2, etc), e incluso arpegios de los relativos o acordes sustitutos (es muy común por ejemplo tocar sobre un G mayor Grado I el arpegio de Em7 o de Bm7…acordes relativos con los que conseguimos notas de color añadidas), etc. Es decir, que los caminos o las opciones que se nos presentas son múltiples.

De todos modos lo normal al principio es centrarse en tocar el arpegio de cada acorde que va sonando, sin más. También es muy habitual tocar sobre acordes complejos arpegios sencillos. Por ejemplo, si es una armonía de jazz con séptimas y tensiones diversas quedará más contemporáneo usar los arpegios de la triada sobre ellos.  Aparte de ser los arpegios más complejos…los de 4 o 5 notas son más parecidos a una escala y se digitan más fácilmente…pero las triadas, al tener tan pocas notas, generan digitaciones intrincadas que hay que trabajar de forma muy metódica.  Pero si nos hacemos a ellos, luego acumular notas (la séptima, la 2ª o 4ª añadida, etc) será un paseo. Es como las escalas diatónicas, que la mejor forma de aprenderlas es a partir de las cajas de las escalas pentatónicas, a las que solo hay que implementar dos nuevas notas. Os decimos esto porque es un método que funciona (tanto para acordes como para escalas y arpegios) es empezar por las cajas más sencillas de 3 notas a las que luego se van incorporando elementos por un natural proceso de acumulación. Os aseguramos que esta es la forma más rápida y práctica…yendo de lo más sencillo a lo más complejo.

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Adaptando los arpegios mayores:

Entremos en faena. Lo primero es aprenderse meticulosamente los diseños a lo largo de todo el mástil. Si ya te has aprendido los mayores vistos anteriormente, la cosa es coser y cantar: solo has de bajar un semitono a las terceras. Sí que es importante recalcar que cuando te aprendas los arpegios seas consciente de cuál es cada nota (dónde están las tónicas, las terceras y las quintas). De este modo, además de poder dirigir tus fraseos hacia las notas que desees en cada momento, tendrás el añadido de poder cambiar rápidamente de un arpegio a otro si sabes qué intervalo hay que modificar.

En el caso de los menores, si tenemos bien identificadas todas las terceras mayores ya aprendidas solo habremos de bajarlas un semitono y listo. Eso sí, es importante adaptar las digitaciones a la nueva disposición generada. Por ello hemos incluido los dedos que consideramos más recurrentes para estos nuevos arpegios (solo para aprendértelos y colocar los dedos…cuando hagas solos o melodías podrás trabajar ya de forma más libre los dedos, lógicamente).

Empieza aprendiéndote bien 2 o 3 posiciones y a partir de ahí empieza a practicar sobre cambios de acordes para ir haciéndote a ello. Como siempre: estúdialo muy lento y con metrónomo…esto siempre es lo más importante.

¡Suerte y a trabajar!

 Fuente: Desnudosdeetiquetas.es

 

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Triada mayor. Utilizar arpegios en los solos.

Arpegios de la Triada Mayor

Una de las cosas más importantes a la hora de hacer melodías e improvisar es dar con la nota adecuada en cada momento. Para hacerlo hay muchos caminos: aprendiendo las interválicas desde cada tónica, diseccionando las escalas al milímetro…o empezando con los temidos arpegios. Así que, sin dar más rodeos, hagamos una primera incursión en los de la triada mayor.

Triadas vs tetradas/cuatriadas

Estamos acostumbrados a tocar los arpegios (a nivel melódico y escalístico) por lo general con 4 notas. Sin embargo no solemos pasar por las triadas, por ser las más complicadas de tocar melódicamente al tener solo 3 notas repartidas por todo el mástil. Pero su uso y sonoridad son tan genuinas y habituales que es primordial empezar con ellas antes de pasar a lo siguiente…que en el fondo luego es una simple acumulación de notas (añadiendo sobre los esqueletos triada las séptimas, las segundas, las cuartas, etc). Un apunte: como sabrás los arpegios valen para tocar sobre un solo acorde (a veces más, por supuesto), pero no sobre toda una misma progresión como haríamos con una escala del tono en el que estemos. La idea de trabajar los arpegios es para poder incorporarlos entre medias de escalas, haciendo que ambos rudimentos suenen con fundamento integrados dentro de un todo común.

Diagramas

Lo primero, como te puedes imaginar, pasa por aprenderse al dedillo los dibujos a lo largo de todo el mástil. La idea no es darse un atracón tocando todos a lo bestia nada más empezar, sino que lo suyo es ir de uno en uno hasta lograr visualizar cada diseño desde cualquier tónica de manera precisa. Practica un par de posiciones hasta que te sientas cómodo. Por supuesto huelga decir que lo estudies muy lento y con metrónomo…esto siempre es lo más importante.

triada menor

 

Insisto, no es necesario que los aprendas todos, simplemente selecciona con el que te encuentres más a gusto y practícalo. ¡Ya puedes incorporarlo a tu repertorio!.

Musicalidad

El siguiente paso ya sería intentar dar musicalidad a lo aprendido, convirtiendo las secuencias en frases melódicas que nos valgan igualmente para construir melodías o fraseos. Como muestra aquí tienes un posible solo melódico escrito por Javier Santos sobre una sencilla progresión en A mayor (toda con acordes mayores obviamente).Verás que primero te transcrito una línea base con secuencias para que te vayas haciendo a los dibujos dentro de una misma zona, y a continuación lo mismo pero ya desarrollado más en plan solo partiendo de la misma idea. Es fundamental que cojas como filosofía el intentar realizar los arpegios de cada acorde dentro de una misma zona, así lograrás tocar todo casi sin moverte…realizando líneas en las que las notas no peguen saltos interválicos demasiado grandes (y es que lo más melódico se genera cuando las notas efectúan saltos pequeños, favoreciendo así la continuidad más o menos de notas). Suerte y a trabajar duro…verás cómo acercándote a los arpegios tu forma de tocar va adquiriendo una dimensión mucho más musical y melódica.

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Fuente: Desnudosdeetiquetas.es (Javier Santos).

 

bajo

BAJO.Controles del intrumento

Es curioso ver cómo la gran mayoría de los músicos que se interesan por el bajo eléctrico y comienzan a tocar este instrumento no prestan la más mínima importancia a los controles del mismo. Los controles de volumen, tono, balance y EQ son elementos que van a hacer que nuestro instrumento nos pueda aportar una paleta de colores más amplia que la que podemos conseguir solo con la disposición de las manos en la pulsación o con la presión que ejerzamos con ellas sobre cada nota pulsada.

Además, la inclusión de pastillas y/o circuitos activos, con sus correspondientes controles, va a aumentar todavía más dicha paleta de timbres.

¿Cómo sabemos si un instrumento es pasivo o activo? Si no contiene ningún tipo de batería (normalmente una pila de 9 V.) es un instrumento pasivo. Si utiliza batería (o baterías) será activo. Sin embargo, ¿todos los que disponen de pila poseen pastillas activas? La respuesta es no. Existen dos opciones:

Bajos activos con pastillas activas. La pila alimenta el circuito para que dichas pastillas funcionen. Si la pila se agota, el bajo no suena. Le provee de posibles controles de EQ adicionales.

Bajos activos con pastillas pasivas. La pila alimenta el circuito que amplifica la señal de las pastillas y le provee de posibles controles de EQ adicionales. Si la pila se agota siempre podemos pasar al modo pasivo y seguir tocando hasta reponer la pila.

¿Cúales son las ventajas o desventajas de cada opción?. No se puede afirmar que un bajo activo, por el mero hecho de serlo, sea mejor que uno pasivo dado que entran en juego otros factores tanto o más importantes, como la calidad de las maderas y de la construcción, los acabados, etc. Sí es verdad que uno activo nos puede proveer de más variedad tímbrica, pero muchas veces también puede esconder una falta de “tono vital” o “sonido fundamental” que en el caso del bajo eléctrico es imprescindible. Muchos grandes bajos eléctricos son pasivos.

El bajo según sus controles podemos distinguir:

1 control de volumen y 1 control de tono .

Tipo Fender Precision. El más sencillo. Sus pastillas son pasivas.

fender-precision

–  2 controles de volumen y 1 control de tono.

Tipo Fender Jazz Bass. Sus pastillas son pasivas. Cada controlde volumen corresponde a una pastilla, de forma que podemos mezclar cantidades dife- rentes de sonido de cada una de ellas y crear diferentes timbres.

jazz-bass

– 1 control de volumen, 1 control de balance y 1 control de tono.

Con el primero controlamos el volumen general en la salida del instrumento. 
Con el segundo regulamos la selección que hacemos de una u otra pastilla y cómo se mezcla su sonido. Con el control de tono modificaremos el brillo o la claridad del sonido.

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–  1 control de volumen, 1 control de balance, 2 controles de EQ.

Igual que el anterior pero se elimina el control de tono y se dispone un EQ de graves/agudos. El bajo puede ser pasivo con circuito activo.

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– 1 control de volumen, 2 ó 3 controles de EQ.

Tipo Musicman.

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– Cualquiera de las opciones anteriores acompañada de algún tipo de switch (uno o varios) que conmuta la conexión/ desconexión del circuito de EQ.

Hay que señalar que los típicos controles giratorios de tono suelen ser pasivos, en el sentido de que, en su posición máxima suenan con el máximo brillo, y a medida que lo bajamos reducimos el brillo, esto es, le quitamos agudos, pero no le damos más graves.

Seguro que el bajo que tienes entre las manos lo puedes clasificar en alguna de estas opciones. Sea cual sea, seguro que se le puede sacar más partido a su sonido si conoces cómo funcionan cada uno de sus controles y sus características más esenciales. Sólo nos queda interesarnos por ello y experimentar.

Fuente: Artículo integro prodecente de Iñigo Corcuera
Coordinador del Dpto. de Bajo de MrJam CMM

http://www.backtomusicschool.com/controlando-los-controles/

¡ESCALA MENOR ARMÓNICA FÁCIL!

menor armonica

Escala menor armónica

 

En esta entrega hablamos de la Escala menor armónica. Es una escala bastante utilizada y muy reconocible por su sonido “especial” del que ahora hablaremos.

Vamos a empezar por el principio. Una escala es un grupo de notas que siguen un orden natural de los sonidos. La mayoría utiliza siete notas a la que sumamos la primera para completar la escala (la octava). La diferencia entre ellas radica en la distancia de las notas entre si a medida que las vamos tocando.

Cuando nuestro oído escucha la primera nota ahi ya estamos “pillados”. Da igual que sea un La que un Do. Lo importante es la nota que viene después y después de esta y así sucesivamente. Ésto lógicamente es un ejemplo muy general pero para entendernos rápido digamos que la primera nota marca la tonalidad y las demás nos van llevando por sonoridades menores, mayores, etc.

La escala menor armónica es una escala musical occidental utilizada en el contexto de la música tonal. La escala menor armónica consiste en una alteración del Modo eólico también llamada escala menor natural. Para generar un acorde dominante construido a partir del quinto grado de la escala (necesario en el sistema tonal), se altera el séptimo grado de la escala subiéndolo medio tono, logrando así una escala menor armónica. Por eso el nombre de escala es menor armónica, porque su creación fue por razones armónicas.

Es una escala artificial porque no proviene de la escala mayor como sí lo hace la escala menor natural. La diferencia entre ambas escalas es el séptimo grado ascendido medio tono. Es decir, tocamos la escala menor natural pero el 7b la pasamos al 7. Lógicamente, para diferenciar la escala de la menor natural de la menor armónica, deberás resaltar la nota en que se diferencian. Es decir, el intervalo 7.

Al tocarla da la impresión de ser una escala árabe. Es la sensación que provoca la distancia de tono y medio entre el sexto y séptimo intervalo. Esta es una escala que encaja a la perfección sobre una progresión ii-V menor y que dependiendo del contexto puede tener un aire latino, gipsy jazz, árabe, metalero…

Graba una progresión ii-V-i (menor) y practica la escala menor armónica sobre ella, verás como enseguida te empiezan a sonar frases y vas hacíéndote a la sonoridad. Recuerda que debes jugar con el intervalo 7 para obtener el sonido característico. Un ejemplo puede ser Am-D7-G. También suena bien sobre acordes menores (m7, m9, m11, m 5# ).

Si quereis escuchar cómo suena podeis echarle un ojo a este video:

http://www.youtube.com/watch?v=eMmFuO3lZTA

Y aqui teneis una frase basada en la escala cortesia de Bloguitar.com:

http://bloguitar.es/ejercicios/licks/lick-en-sol-menor-armonico#.Umvy0PktxbV

Fuentes:

FUNK. ¿Como empezar a tocarlo?.

En algún momento de 1960 James Brown comenzó un vendaval de nuevo sonido que inundó los oidos de sus contemporáneos y aún lo siguen haciendo. Su versión que combinaba Soul y R&B inspiró un movimiento que se dió a conocer como “Funk”.

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James Brown

El Funk no se puede explicar sin explicar antes el “groove”. Según la wikipedia es la “sensación”, rítmicamente expansiva, o el sentido de “swing” creado por la interacción de la música interpretada por la sección rítmica de una banda (batería, bajo eléctrico o contrabajo, guitarra y teclados). El groove es un factor importante en los distintos subgéneros del jazz, y de ahí a otros géneros como salsafunkrock y soul. O dicho de otra manera es el famoso “feeling”. Ese …sentir que algunas personas tienen más desarrollado que otras pero que, por supuesto, se trabaja desde el momento en el que empezamos a estudiar música.

El término suele utilizarse, también, para describir un tipo de música que incita al movimiento o al baile.

¿Cómo comenzamos a tocar este estilo?

Para empezar comenzaremos por decir que el funk se basa en las semicorcheas. Si tocas semicorcheas ya estás tocando funk!.  Otro factor importante en el estilo consiste en el “apagado” de las cuerdas. En lugar de tocar, como sucede en la música tradicional un acorde en sus diferentes apartados rítmicos lo que haremos será tocar las cuerdas sin emitir ningún sonido determinado del acorde. Se trata de emitir semicorcheas a un nivel percusivo.

funk

ritmo tipico funk

Fijaos en que no emitimos ningún a nota concreta sino que solo se trata de emitir sonidos percusivos. Para ayudarnos podemos elegir una palabra de 4 sílabas y pronunciarla mientras escuchamos el metrónomo. Por ejemplo, cho-co-la-te. Debemos hacer coincidir la primera sílaba con el sonido del metrónomo y encajar las demás hasta la siguiente vez que coincida la sílaba con el metrónomo.

Divide y vencerás!

El siguiente nivel consiste en tocar un acorde típico del funk, el acorde de novena. Vamos a poner de ejemplo un E9 y lo tocaremos al igual que hemos hecho antes. Cho-co-la-te, cho-co-la-te …etc pero esta vez tocando el acorde E9. Ojo!, mutea con el pulgar de la mano izquierda la sexta cuerda (la de la x) para que no  suene. Al principio costará un poco pero enseguida te saldrá con soltura.

funk E9

acorde tipico funk

En último lugar tocaremos, a veces el acorde y a veces la percusión antes comentada. Lo podemos combinar como queramos aunque aquí os dejo unas ideas…

 

funk E9

ritmica E9

Esto es, no consiste en poner un acorde, or ejemplo G, y volvernos locos a tocas semicorcheas sino que se trata de combinar estas idea.

Al principio practícalo despacio y poco a poco ve aumentando la velocidad y verás como tu sonido comienza a aproximarse a lo que escuchas en los discos!.

Suerte y a practicar!

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¡Grabar!. Vamos con 15 sencillos consejos.

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Estudio de Grabación

 

 Fuente: Antonio Escobar, artículo para Hispasonic: http://www.hispasonic.com/blogs/15-trucos-para-mejorar-tus-grabaciones/37433

Grabar es una práctica habitual en nuestros días que se ha generalizado debido a las facilidades que la tecnología digital nos aporta. Sin embargo, en muchas ocasiones no nos quedan bien las tomas tal y como tenemos en la cabeza. Muchas veces las soluciones a esos quebraderos de cabeza son bastante sencillas. Éste artículo extraído de Hispasonic puede ayudaros si ese es vuestro caso. abróchensé los cinturones y ¡a grabar!

CONSEJOS PARA GRABAR

  1. La mejor técnica de grabación posible consiste en grabar la mejor toma en el menor tiempo posible. El objetivo es conservar la frescura y no perder la técnica. Es algo que se consigue con años de práctica produciendo y lo que, muchas veces, marca la diferencia entre una buena grabación y una “correcta”.
  2. Aprende a manejar con soltura tu entorno de grabación. Los retrasos creando pistas, editando o cableando pueden romper la concentración.
  3. Utiliza previos y micrófonos adecuados. Adecuado es una palabra muy amplia, y con presupuestos limitados el adecuado suele ser “el que hay disponible”, pero si es posible, utiliza el mejor previo que esté en tu mano (mejor ratio señal ruido, mejor respuesta en frecuencia y a los transitorios, menos distorsión, menos ruido) y el micro cuyas propiedades sean más apropiadas para el instrumento a captar (patrón polar, SPL soportados, ecualización interna, etc). Cuando hablamos de preamplificadores, casi siempre el más caro que tengamos suele ser el mejor, pero eso no es así con los micros, donde la especialización y las características tonales del instrumento a grabar marcan la diferencia.
  4. Coloca el micro donde mejor suene el instrumento. Hay mil manuales sobre colocación de micros, pero lo cierto es que hasta que no se prueba no hay forma de saber si es la mejor o no. Una forma de buscar dónde suena mejor un instrumento es tapándose un oído e ir moviéndose por la sala buscando la posición donde nos gusta más el sonido que nos llega (por el que no está tapado, se entiende).
  5. No necesitas la mejor tarjeta de sonido o los mejor conversores para grabar decentemente. Incluso el más barato de los los interfaces de sonido orientados a la producción musical actuales tiene unas características técnicas superiores a los sistemas de hace 10 años. Tener un sistema mejor puede merecer la pena, pero el no disponer de él no debe ser excusa para obtener unos malos resultados.
  6. No satures los conversores de tu interfaz de audio. Grabando a 24 bits, en la mayoría de los casos hay más de 100 dB de S/N, por lo que no hay motivo para mantener la señal picando a -2 dB. Dado que no hay intérprete conocido que mantenga los mismos niveles en la pruebas de sonido que durante la grabación, dejar 20 dB de margen antes del 0 digital antes de grabar es bastante seguro: siempre puedes corregirlo sobre la marcha.
  7. No grabes con una señal muy baja. La normalización, distorsión o compresión la señal hará levantar el ruido dentro de los márgenes audibles, siendo especialmente molestos en instrumentos delicados, como la voz.
  8. Mantén una distancia consistente con la microfonía. Cuando no se cumple, el cambio de volumen, el efecto proximidad de algunos micros o la reverberación variable captada producen un sonido característico y difícilmente corregible.
  9. Capta el sonido que tienes en mente y no esperes a encontrarlo en la mezcla. En la mezcla se pueden hacer verdaderos milagros, pero no hay nada que suene mejor que grabar el instrumento con el sonido que buscas.
  10. Cuando grabes sintetizadores ruidosos, abre un poco el filtro más de lo que te gustaría. Al corregirlo en la mezcla eliminarás también el siseo. Este truco también vale para otros instrumentos como un bajo o una guitarra eléctrica.
  11. Pon cuerdas nuevas antes de grabar. Es más fácil y menos destructivo quitar brillo que añadirlo después.
  12. Graba con los mínimos efectos posibles: siempre puedes cambiar de idea y luego es difícil eliminarlos.
  13. La toma vocal perfecta no existe, y si existe no es digna de estar en un disco. Hay que llegar a un punto delicado entre sentimiento y técnica. Grabar muchas tomas acabarán cansado al cantante y dinamitarán tu sesión. Pocas tomas pueden perjudicarte a la hora de componer la toma perfecta.
  14. Sé pro-activo y empático grabando. Usar expresiones como “esa toma es una basura” no han ayudado jamás a nadie en la historia de la música.
  15. Ensaya antes de grabar. La seguridad de estar tocando algo con disfrute y conocimiento es algo que con el peor equipo hace sobresalir cualquier canción.

Truco extra: ¡afina el instrumento y compruébalo constantemente!

Si seguís estos sencillos trucos veréis que es más difícil grabar mal que hacerlo bien desde el principio.

 

Ejercicios para ganar velocidad a la guitarra (Tom Morello)

morello ¡Hola!. Hoy vamos a ver una serie de ejercicios recomendados por el guitarrista de Rage Agaist The Machine Tom Morello que en su día recomendó a los lectores de la revista Guitarra Total para mejorar la velocidad. “No tuve mucha suerte con las clases de guitarra cuando era pequeño”, confiesa Tom. A los 13 años recibió unas cuantas clases de guitarra y lo dejó porque le resultaban muy frustrantes. ¿Quien no ha tenido esa sensación , verdad? Volvió a los 16 años tras empezar a escuchar a los Sex Pistols y Clash. Pero también le gustaba Al Di Meola para lo que vio rápidamente que él solo no podría alcanzar ese nivel y volvió a las clases. Tenia un profesor “increíblemente rápido” según sus palabras. Se sentaba allí con él y tras tocar una canción su profesor, Michael Angelo, un guitarrista de Los Ángeles le diagnosticó “velocitis”.  La “velocitis” no es otra cosa que intentar tocar pasajes rápidos para los que aún no estás capacitado. ¿También nos suena esto, verdad? Así que le sugirió una serie de ejercicios. Son ejercicios cromáticos o diatónicos muy sencillos y prácticos pero que requieren una constancia y práctica adecuada. Como el mismo Tom Morello menciona “si practicáis estos ejercicios durante varias horas al día pronto seréis capaces de hacer sudar a Zakk Wylde o a Michael Angelo”:-) En el pie de cada ejercicio viene un consejo para tocarlo adecuadamente así que aquí los teneis. Disfrutad y mucha paciencia. ¡¡¡Vamos a acabar con la “velocitis”!!! Tom Morello-Ejercicios de guitarra Tom Morello-Ejercicios de guitarra2     Fuente: Revista Guitarra Total