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ampli y micro

Los acoples. Como evitarlos?




Probablemente hayas tenido problemas en más de una ocasión con esos pitidos que surgen de nuestros altavoces en los ensayos, bolos, etc. … éstos pueden surgir por diferentes motivos:

  • Mal posicionamiento de la microfonía.
  • Ex­cesos de ganancia en el sistema de mo­nitorización.
  • Problema de nuestras propias pastillas de la guitarra.
  • Etc.
En este post trataremos de conocer aspectos básicos de los acoples para poder evitarlos …
Lo primero que debemos hacer es definir “acople”: “fenómeno producido por la retroalimentación de un sistema cuando éste recoge su propia señal, reintroduciéndola una y otra vez sin parar” .

Los acoples que más nos afectan como guitarristas son de dos tipos:
1)    Acoples en micrófonos:


En un típico siste­ma de micrófono-altavoz … el acople se producirá cuando la señal recibida por el micrófono sea mayor que la señal original … ya que se producirá un bucle sin fin en el que la señal eléctrica que alimenta al altavoz aumentará en cada ciclo pudiendo provocar desperfectos en los altavoces, y en nuestros oídos y en los de nuestro público. 😉
Para evitarlo aquí van algunos consejillos prácticos:
  • Evitar una ganancia excesiva en nuestro equipo/sistema de amplificación: pues a mayor ganancia, mayor riesgo de acople.
  • Separar el monitor de los micrófonos.
  • Tener una correcta orientación de los altavoces y micrófonos: evitar que los micros se encuentren enfrentados con los monitores.
  • Usar micrófonos directivos de tipo hipercardioide o super-cardioide (por ejemplo el Shure Beta 58A).
  • Una correcta ecualización nos permitirá reducir la ganancia para determinadas frecuencias problemáticas (algunos técnicos de so­nido lo hacen es añadir un retardo del sonido que se envía a monitores de aproximadamente 10 milisegundos…pero cuidadín con este recurso “extremo” pues puede llegar confundiros a los músicos).
  • Utilizar reductores de aco­ples automáticos: detectan la frecuencia a la que se produce el acople y crear un filtro específico para la misma (Por ej. Podéis utilizar el ecualizador digital DFR11EQ)


2)    Acoples de guitarras:
El acople en guitarra eléctrica es un recurso de expresión muy utilizado … de hecho es una seña identidad de los guitarristas del indie rock … aunque éste haya sido utilizado previamente por muchos de los más grandes … Jimi Hendrix, Santana, Syd Barrett, Pete Townshend, etc.
A mí es un recurso que me flipa y que no es sencillo de ejecutar aunque que pueda parecer lo contrario (para comenzar a practicar podéis acercar vuestra guitarra al ampli con las cuerdas al aire y aa partir de ahí jugar) … si bien, lo que sí que es fácil es pararlo si se nos está yendo de las manos; tapando las cuerdas con la mano, bajando nuestro botón de volumen, o apagando la guitarra si disponemos de esa opción…
Pero también hay momentos en los que se producen acoples que no son intencionados … en la eléctrica como consecuencia de un mal estado de las pastillas
Si amplificáis vuestra acústica, debéis tener presente que se pueden producir acoples relativamente con facilidad por la resonancia de la caja unida a la pastilla (no dudéis en usar un “sound hole cover”, o “feedback bus­ter”  … o bien, compraros directamente unas pastillas que se instalen en la boca de la guitarra como las magnéticas M1 de L.R. Baggs, o las Mag Mic de Seymour Duncan.
Para finalizar os dejamos con un vídeo en el que ser recoge uno de los muchos de momentos en los que “sonic youth” hacen uso del acople intencionado para crear una atmófera de rayada tan característica de su sonido …
(artículo íntegro)
PLASTIC ASHTRAY
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CONSEJOS MANTENIMIENTO SENCILLO GUITARRAS

Ya sabéis chic@s lo que nos cuesta hacernos con nuestro preciado instrumento … y queremos que nos dure, mucho, mucho tiempo, … por ello es interesante que tomemos algunas pequeñas precauciones para evitar que nuestra guitarra se deteriore antes de lo esperado… a no ser que seas directamente un amante del relic ;-).

Consejo nº1: Conserva tu guitarra en una funda adecuada que te permita trasladarla con seguridad.

Ya sabéis que hay muchos tipos de fundas de guitarra … con el tiempo he aprendido que no es un tema baladí el hecho de utilizar una funda u otra. Las fundas que podríamos denominar mochila de tela (y que no son rígidas) son muy cómodas para transportar la guitarra, pero la realidad es que el mástil puede sufrir en cada uno de sus traslados (movimientos de torsión y flexión) que llegan a desajustar el alma de la guitarra … por no decir lo más obvio, que es que al tratarse de un material muy endeble cualquier golpe puede dañar la madera… Si os fijáis las guitarras de gama alta todas vienen con funda rígida …. Por algo será 😉 … aunque no sea tan sencillo su transporte en muchos casos, por ejemplo los estuches tweed de fender (tipo maleta)… conviene comprar una funda rígida para proteger tu guitarra.

Consejo nº2: Si quieres conservar tus trastes … cambia las cuerdas con frecuencia, y/o límpialas…

Es uno de los consejos más básicos que debemos seguir para mantener los trastes en buen estado… si no cambiamos las cuerdas con relativa asiduidad es probable que el sudor que acumulamos en nuestras manos, y la corrosión que aparece en las cuerdas con el paso del tiempo se traslade a los trastes cuando tocamos … por ejemplo, al hacer un bending … vibrato, etc… si cuidamos este detalle de limpieza de las cuerdas (diaria en función del tiempo de uso) es probable que los trastes nos duren mucho tiempo… además de tener mejor afinación y sonido.

Consejo nº3: Instala strap locks

Es muy común que cuando tocamos de pie se nos suelte la correa de alguno de los puntos de sujeción, con el consecuente golpe de la guitarra contra el suelo … se puede evitar instalando cierres de seguridad son fáciles de instalar y no demasiado caros … en el mercado hay muchas marcas para elegir …(Schaller, loxx, etc.)

Consejo nº4: Ajusta tu guitarra de forma periódica…

Si eres un manitas no necesitarás del luthier … (no es mi caso, pues personalmente yo no me veo capaz de quintar adecuadamente mi guitarra… aunque hay infinitad de artículos en la red y en you tube sobre este tema). Lo que sí es más sencillo es limpiar la guitarra, no te olvides de ninguna parte (cuerpo, cuerdas, herrajes, pastillas, diapasón, cejuela …) … por ejemplo puedes usar en la cejuela y puente un lubricante adecuado … con ello nos aseguramos evitar un desgaste extremo de estas zonas.

Consejo nº5: Cuidar de la temperatura…

Que no se produzcan cambios bruscos de temperatura es un aspecto básico en la conservación, pues las guitarras son de madera y éstas se contraen con el frío y se expanden con el calor… si una guitarra se viese sometida a un cambio de temperatura brusco se podría llegar estropear el mástil… así que, evitemos tocar durante mucho tiempo directamente bajo el sol…o de cerca de un radiador… evitemos el agua, etc. … y en verano usa tu funda al salir a la calle … FUENTE: Frommadridtohollywood.blogspot.com

guitarrista

Triada menor. Utilizar arpegios en los solos

Arpegios de la Triada Menor 

Ya vimos en su día los arpegios de la Triada Mayor, ahora es el turno de los de la Triada Menor, que difieren de los mayores en que tienen una tercera menor o bemol. Así, su estructura es: 1 3b 5…frente a la 1 3 5 de los mayores.

Hay que decir que los arpegios valen para tocar sobre cambios de acordes, y no sobre una progresión armónica al igual que hacemos con una misma escala (siempre y cuando esté todo en la misma tonalidad claro). Eso sí, no hace falta tocar el arpegio exacto de cada acorde. Si por ejemplo queremos tocar un arpegio sobre un G mayor que es Grado I, yo podría hacer el propio arpegio de G mayor (lo que se suele hacer al principio), cualquiera que se genere dentro de ese Grado I (Gmaj7, G6, Gsus4 o sus2, etc), e incluso arpegios de los relativos o acordes sustitutos (es muy común por ejemplo tocar sobre un G mayor Grado I el arpegio de Em7 o de Bm7…acordes relativos con los que conseguimos notas de color añadidas), etc. Es decir, que los caminos o las opciones que se nos presentas son múltiples.

De todos modos lo normal al principio es centrarse en tocar el arpegio de cada acorde que va sonando, sin más. También es muy habitual tocar sobre acordes complejos arpegios sencillos. Por ejemplo, si es una armonía de jazz con séptimas y tensiones diversas quedará más contemporáneo usar los arpegios de la triada sobre ellos.  Aparte de ser los arpegios más complejos…los de 4 o 5 notas son más parecidos a una escala y se digitan más fácilmente…pero las triadas, al tener tan pocas notas, generan digitaciones intrincadas que hay que trabajar de forma muy metódica.  Pero si nos hacemos a ellos, luego acumular notas (la séptima, la 2ª o 4ª añadida, etc) será un paseo. Es como las escalas diatónicas, que la mejor forma de aprenderlas es a partir de las cajas de las escalas pentatónicas, a las que solo hay que implementar dos nuevas notas. Os decimos esto porque es un método que funciona (tanto para acordes como para escalas y arpegios) es empezar por las cajas más sencillas de 3 notas a las que luego se van incorporando elementos por un natural proceso de acumulación. Os aseguramos que esta es la forma más rápida y práctica…yendo de lo más sencillo a lo más complejo.

triada-menor

 

Adaptando los arpegios mayores:

Entremos en faena. Lo primero es aprenderse meticulosamente los diseños a lo largo de todo el mástil. Si ya te has aprendido los mayores vistos anteriormente, la cosa es coser y cantar: solo has de bajar un semitono a las terceras. Sí que es importante recalcar que cuando te aprendas los arpegios seas consciente de cuál es cada nota (dónde están las tónicas, las terceras y las quintas). De este modo, además de poder dirigir tus fraseos hacia las notas que desees en cada momento, tendrás el añadido de poder cambiar rápidamente de un arpegio a otro si sabes qué intervalo hay que modificar.

En el caso de los menores, si tenemos bien identificadas todas las terceras mayores ya aprendidas solo habremos de bajarlas un semitono y listo. Eso sí, es importante adaptar las digitaciones a la nueva disposición generada. Por ello hemos incluido los dedos que consideramos más recurrentes para estos nuevos arpegios (solo para aprendértelos y colocar los dedos…cuando hagas solos o melodías podrás trabajar ya de forma más libre los dedos, lógicamente).

Empieza aprendiéndote bien 2 o 3 posiciones y a partir de ahí empieza a practicar sobre cambios de acordes para ir haciéndote a ello. Como siempre: estúdialo muy lento y con metrónomo…esto siempre es lo más importante.

¡Suerte y a trabajar!

 Fuente: Desnudosdeetiquetas.es

 

imagen arpegio guitar

Triada mayor. Utilizar arpegios en los solos.

Arpegios de la Triada Mayor

Una de las cosas más importantes a la hora de hacer melodías e improvisar es dar con la nota adecuada en cada momento. Para hacerlo hay muchos caminos: aprendiendo las interválicas desde cada tónica, diseccionando las escalas al milímetro…o empezando con los temidos arpegios. Así que, sin dar más rodeos, hagamos una primera incursión en los de la triada mayor.

Triadas vs tetradas/cuatriadas

Estamos acostumbrados a tocar los arpegios (a nivel melódico y escalístico) por lo general con 4 notas. Sin embargo no solemos pasar por las triadas, por ser las más complicadas de tocar melódicamente al tener solo 3 notas repartidas por todo el mástil. Pero su uso y sonoridad son tan genuinas y habituales que es primordial empezar con ellas antes de pasar a lo siguiente…que en el fondo luego es una simple acumulación de notas (añadiendo sobre los esqueletos triada las séptimas, las segundas, las cuartas, etc). Un apunte: como sabrás los arpegios valen para tocar sobre un solo acorde (a veces más, por supuesto), pero no sobre toda una misma progresión como haríamos con una escala del tono en el que estemos. La idea de trabajar los arpegios es para poder incorporarlos entre medias de escalas, haciendo que ambos rudimentos suenen con fundamento integrados dentro de un todo común.

Diagramas

Lo primero, como te puedes imaginar, pasa por aprenderse al dedillo los dibujos a lo largo de todo el mástil. La idea no es darse un atracón tocando todos a lo bestia nada más empezar, sino que lo suyo es ir de uno en uno hasta lograr visualizar cada diseño desde cualquier tónica de manera precisa. Practica un par de posiciones hasta que te sientas cómodo. Por supuesto huelga decir que lo estudies muy lento y con metrónomo…esto siempre es lo más importante.

triada menor

 

Insisto, no es necesario que los aprendas todos, simplemente selecciona con el que te encuentres más a gusto y practícalo. ¡Ya puedes incorporarlo a tu repertorio!.

Musicalidad

El siguiente paso ya sería intentar dar musicalidad a lo aprendido, convirtiendo las secuencias en frases melódicas que nos valgan igualmente para construir melodías o fraseos. Como muestra aquí tienes un posible solo melódico escrito por Javier Santos sobre una sencilla progresión en A mayor (toda con acordes mayores obviamente).Verás que primero te transcrito una línea base con secuencias para que te vayas haciendo a los dibujos dentro de una misma zona, y a continuación lo mismo pero ya desarrollado más en plan solo partiendo de la misma idea. Es fundamental que cojas como filosofía el intentar realizar los arpegios de cada acorde dentro de una misma zona, así lograrás tocar todo casi sin moverte…realizando líneas en las que las notas no peguen saltos interválicos demasiado grandes (y es que lo más melódico se genera cuando las notas efectúan saltos pequeños, favoreciendo así la continuidad más o menos de notas). Suerte y a trabajar duro…verás cómo acercándote a los arpegios tu forma de tocar va adquiriendo una dimensión mucho más musical y melódica.

Arpegios-mayores-solo

Fuente: Desnudosdeetiquetas.es (Javier Santos).

 

bajo

BAJO.Controles del intrumento

Es curioso ver cómo la gran mayoría de los músicos que se interesan por el bajo eléctrico y comienzan a tocar este instrumento no prestan la más mínima importancia a los controles del mismo. Los controles de volumen, tono, balance y EQ son elementos que van a hacer que nuestro instrumento nos pueda aportar una paleta de colores más amplia que la que podemos conseguir solo con la disposición de las manos en la pulsación o con la presión que ejerzamos con ellas sobre cada nota pulsada.

Además, la inclusión de pastillas y/o circuitos activos, con sus correspondientes controles, va a aumentar todavía más dicha paleta de timbres.

¿Cómo sabemos si un instrumento es pasivo o activo? Si no contiene ningún tipo de batería (normalmente una pila de 9 V.) es un instrumento pasivo. Si utiliza batería (o baterías) será activo. Sin embargo, ¿todos los que disponen de pila poseen pastillas activas? La respuesta es no. Existen dos opciones:

Bajos activos con pastillas activas. La pila alimenta el circuito para que dichas pastillas funcionen. Si la pila se agota, el bajo no suena. Le provee de posibles controles de EQ adicionales.

Bajos activos con pastillas pasivas. La pila alimenta el circuito que amplifica la señal de las pastillas y le provee de posibles controles de EQ adicionales. Si la pila se agota siempre podemos pasar al modo pasivo y seguir tocando hasta reponer la pila.

¿Cúales son las ventajas o desventajas de cada opción?. No se puede afirmar que un bajo activo, por el mero hecho de serlo, sea mejor que uno pasivo dado que entran en juego otros factores tanto o más importantes, como la calidad de las maderas y de la construcción, los acabados, etc. Sí es verdad que uno activo nos puede proveer de más variedad tímbrica, pero muchas veces también puede esconder una falta de “tono vital” o “sonido fundamental” que en el caso del bajo eléctrico es imprescindible. Muchos grandes bajos eléctricos son pasivos.

El bajo según sus controles podemos distinguir:

1 control de volumen y 1 control de tono .

Tipo Fender Precision. El más sencillo. Sus pastillas son pasivas.

fender-precision

–  2 controles de volumen y 1 control de tono.

Tipo Fender Jazz Bass. Sus pastillas son pasivas. Cada controlde volumen corresponde a una pastilla, de forma que podemos mezclar cantidades dife- rentes de sonido de cada una de ellas y crear diferentes timbres.

jazz-bass

– 1 control de volumen, 1 control de balance y 1 control de tono.

Con el primero controlamos el volumen general en la salida del instrumento. 
Con el segundo regulamos la selección que hacemos de una u otra pastilla y cómo se mezcla su sonido. Con el control de tono modificaremos el brillo o la claridad del sonido.

WARWICK

–  1 control de volumen, 1 control de balance, 2 controles de EQ.

Igual que el anterior pero se elimina el control de tono y se dispone un EQ de graves/agudos. El bajo puede ser pasivo con circuito activo.

music_man

– 1 control de volumen, 2 ó 3 controles de EQ.

Tipo Musicman.

yamaha2

– Cualquiera de las opciones anteriores acompañada de algún tipo de switch (uno o varios) que conmuta la conexión/ desconexión del circuito de EQ.

Hay que señalar que los típicos controles giratorios de tono suelen ser pasivos, en el sentido de que, en su posición máxima suenan con el máximo brillo, y a medida que lo bajamos reducimos el brillo, esto es, le quitamos agudos, pero no le damos más graves.

Seguro que el bajo que tienes entre las manos lo puedes clasificar en alguna de estas opciones. Sea cual sea, seguro que se le puede sacar más partido a su sonido si conoces cómo funcionan cada uno de sus controles y sus características más esenciales. Sólo nos queda interesarnos por ello y experimentar.

Fuente: Artículo integro prodecente de Iñigo Corcuera
Coordinador del Dpto. de Bajo de MrJam CMM

http://www.backtomusicschool.com/controlando-los-controles/

¡ESCALA MENOR ARMÓNICA FÁCIL!

menor armonica

Escala menor armónica

 

En esta entrega hablamos de la Escala menor armónica. Es una escala bastante utilizada y muy reconocible por su sonido “especial” del que ahora hablaremos.

Vamos a empezar por el principio. Una escala es un grupo de notas que siguen un orden natural de los sonidos. La mayoría utiliza siete notas a la que sumamos la primera para completar la escala (la octava). La diferencia entre ellas radica en la distancia de las notas entre si a medida que las vamos tocando.

Cuando nuestro oído escucha la primera nota ahi ya estamos “pillados”. Da igual que sea un La que un Do. Lo importante es la nota que viene después y después de esta y así sucesivamente. Ésto lógicamente es un ejemplo muy general pero para entendernos rápido digamos que la primera nota marca la tonalidad y las demás nos van llevando por sonoridades menores, mayores, etc.

La escala menor armónica es una escala musical occidental utilizada en el contexto de la música tonal. La escala menor armónica consiste en una alteración del Modo eólico también llamada escala menor natural. Para generar un acorde dominante construido a partir del quinto grado de la escala (necesario en el sistema tonal), se altera el séptimo grado de la escala subiéndolo medio tono, logrando así una escala menor armónica. Por eso el nombre de escala es menor armónica, porque su creación fue por razones armónicas.

Es una escala artificial porque no proviene de la escala mayor como sí lo hace la escala menor natural. La diferencia entre ambas escalas es el séptimo grado ascendido medio tono. Es decir, tocamos la escala menor natural pero el 7b la pasamos al 7. Lógicamente, para diferenciar la escala de la menor natural de la menor armónica, deberás resaltar la nota en que se diferencian. Es decir, el intervalo 7.

Al tocarla da la impresión de ser una escala árabe. Es la sensación que provoca la distancia de tono y medio entre el sexto y séptimo intervalo. Esta es una escala que encaja a la perfección sobre una progresión ii-V menor y que dependiendo del contexto puede tener un aire latino, gipsy jazz, árabe, metalero…

Graba una progresión ii-V-i (menor) y practica la escala menor armónica sobre ella, verás como enseguida te empiezan a sonar frases y vas hacíéndote a la sonoridad. Recuerda que debes jugar con el intervalo 7 para obtener el sonido característico. Un ejemplo puede ser Am-D7-G. También suena bien sobre acordes menores (m7, m9, m11, m 5# ).

Si quereis escuchar cómo suena podeis echarle un ojo a este video:

http://www.youtube.com/watch?v=eMmFuO3lZTA

Y aqui teneis una frase basada en la escala cortesia de Bloguitar.com:

http://bloguitar.es/ejercicios/licks/lick-en-sol-menor-armonico#.Umvy0PktxbV

Fuentes:

COMO ELEGIR TU GUITARRA ELÉCTRICA (II): Las pastillas.

Eligiendo las pastillas:

PASTILLAS simples:

pastilla single

pastilla single

 

 

lo mejor:

  • timbre cristalino
  • sonido definido
  • muchos graves, muchos agudos

lo peor:

  • menos volumen de salida
  • más zumbido con distorsión

PASTILLAS dobles:

pastilla doble

Pastilla doble

 

lo mejor

  • más volumen de salida
  • menos zumbido
  • más medios
  • más sustain

lo peor:

  • sonido más mate con brillo
  • menos textura
En realidad no hay una elección mejor que otra. Todo depende del sonido que buscamos y el tipo de música que vayamos a tocar.

Hay que decir, y esto es muy importante, que las pastillas son los receptores de la vibración de la cuerda, y que la vibración de la cuerda se ve afectada fundamentalmente por el material sobre el que está asentada.

Es decir, el sonido depende de la resonancia y la resonancia depende del material y de la calidad de la construcción de la guitarra.

A una guitarra con una buena resonancia, da igual que pastilla le montemos. Tendremos más o menos volumen de salida, más o menos brillo, pero el resultado SIEMPRE será de calidad.
Para la elaboración de este artículo hemos consultado los siguientes artículos:

FUNK. ¿Como empezar a tocarlo?.

En algún momento de 1960 James Brown comenzó un vendaval de nuevo sonido que inundó los oidos de sus contemporáneos y aún lo siguen haciendo. Su versión que combinaba Soul y R&B inspiró un movimiento que se dió a conocer como “Funk”.

james brown

James Brown

El Funk no se puede explicar sin explicar antes el “groove”. Según la wikipedia es la “sensación”, rítmicamente expansiva, o el sentido de “swing” creado por la interacción de la música interpretada por la sección rítmica de una banda (batería, bajo eléctrico o contrabajo, guitarra y teclados). El groove es un factor importante en los distintos subgéneros del jazz, y de ahí a otros géneros como salsafunkrock y soul. O dicho de otra manera es el famoso “feeling”. Ese …sentir que algunas personas tienen más desarrollado que otras pero que, por supuesto, se trabaja desde el momento en el que empezamos a estudiar música.

El término suele utilizarse, también, para describir un tipo de música que incita al movimiento o al baile.

¿Cómo comenzamos a tocar este estilo?

Para empezar comenzaremos por decir que el funk se basa en las semicorcheas. Si tocas semicorcheas ya estás tocando funk!.  Otro factor importante en el estilo consiste en el “apagado” de las cuerdas. En lugar de tocar, como sucede en la música tradicional un acorde en sus diferentes apartados rítmicos lo que haremos será tocar las cuerdas sin emitir ningún sonido determinado del acorde. Se trata de emitir semicorcheas a un nivel percusivo.

funk

ritmo tipico funk

Fijaos en que no emitimos ningún a nota concreta sino que solo se trata de emitir sonidos percusivos. Para ayudarnos podemos elegir una palabra de 4 sílabas y pronunciarla mientras escuchamos el metrónomo. Por ejemplo, cho-co-la-te. Debemos hacer coincidir la primera sílaba con el sonido del metrónomo y encajar las demás hasta la siguiente vez que coincida la sílaba con el metrónomo.

Divide y vencerás!

El siguiente nivel consiste en tocar un acorde típico del funk, el acorde de novena. Vamos a poner de ejemplo un E9 y lo tocaremos al igual que hemos hecho antes. Cho-co-la-te, cho-co-la-te …etc pero esta vez tocando el acorde E9. Ojo!, mutea con el pulgar de la mano izquierda la sexta cuerda (la de la x) para que no  suene. Al principio costará un poco pero enseguida te saldrá con soltura.

funk E9

acorde tipico funk

En último lugar tocaremos, a veces el acorde y a veces la percusión antes comentada. Lo podemos combinar como queramos aunque aquí os dejo unas ideas…

 

funk E9

ritmica E9

Esto es, no consiste en poner un acorde, or ejemplo G, y volvernos locos a tocas semicorcheas sino que se trata de combinar estas idea.

Al principio practícalo despacio y poco a poco ve aumentando la velocidad y verás como tu sonido comienza a aproximarse a lo que escuchas en los discos!.

Suerte y a practicar!

www.academialem.com

vai

Steve Vai y su record guiness

La noticia recorrió el mundo. El guitarrista Steve Vai nuevamente ha ingresado el libro del Guinnes Record. Según informa el sitio ultimate-guitar.com, en la década de los 80 lo había hecho cuando tocaba junto a David Lee Roth, por presentar el mayor espectáculo de luces en la historia del rock
Sin embargo, Vai ahora ingresa al libro de record de manera solitaria y ligado a su labor de formar nuevas generaciones de guitarristas. El nuevo hito marcado por el eximio músico consistió en dar la lección de guitarra en vivo y gratuita más numerosa de la historia, reuniendo a 7 mil personas durante media hora. Aunque al final la lección se prolongó durante una hora debido a la cantidad de visitas que se estaban recibiendo.

La nota publicada en www.hennemusic.com resume así la actividad:

“Casi 7.000 guitarristas unió Vai para la transmisión en vivo; Guinness certificó el registro realizado en Berklee, cuando logró acreditar más de 4.455 estudiantes durante los primeros 15 minutos de la lección. Berkleemusic también anunció una donación de 7.000 dólares -un dólar por cada estudiante certificados de participar en la lección- a la “Steve Vai Online Scholarship Fundat at Berkleemusic”, que premia y ayuda a los estudiantes más sobresalientes.

“Estoy muy feliz y orgulloso de anunciar que el Berklee College of Music, recibió oficialmente el record mundial Guinness por la mayor lección de guitarra en línea”, dijo Stefanie Henning, director de marketing de Berkleemusic. “Esta fue una colaboración increíble de todos los equipos de Berkleemusic, que contó con el apoyo de Roger Browm, presidente del Berklee College of Music, de cuerpo de profesores, estudiantes y con el invitado de honor del día, Steve Vai”.

Fuente: http://www.elportaldelmetal.com/noticia/steve-vai-al-libro-de-record-guinnes

TE AYUDAMOS A ELEGIR AMPLIFICADOR DE GUITARRA (III): El contexto.

Después de los anteriores artículos que hablan sobre el tema os voy a resumir  el final en un punto que me parece clave: ¿para qué voy a utilizar el amplificador?, es decir, en que contexto lo voy a utilzar.
¿QUE AMPLIFICADOR ES EL QUE BUSCO?
 
A la hora de escoger un amplificador tenemos que tener muy en cuenta en que contexto vamos a utilizarlo.
No es lo mismo Que compremos un ampli para tocar en casa o para ensayar que para tocar ante 500 personas. en el primero de los casos, si utilizamos un ampli para ensayar tal vez nos sería útil un ampli de transistores y de poca potencia lo que se traduce en menos mantenimiento, más barato, suficiente potencia para los ensayos y, si además tiene toma de auriculares para ensayar por la noche y no molestar al vecino (cosa que los amplificadores más profesionales no suelen tener) pues mejor.
Más potencia no es sinónomo de más calidad. Si ponemos un amplificador a válvulas de 100w al 3 de volumen puede que no suene tan bien como un o de 30w al 7u 8 de volumen. aunque , logicamnte todos los demás factores importan esto hay que tenerlo muy en cuenta.
Para tocar en casa es suficiente con 10w a transistores y para tocar en el local o con un batería, bajista, etc aconsejamos un mínimo de 30w a válvulas y 50w a transistores si no queremos que nuestro sonido se lo “merienden” los demás componentes de la banda.
Para un local dando concierto podríamos subir esos 30w a unos 50w en el caso de las válvulas y a 100w en el caso de los transistores aunque todo esto son solamente consejos sacados de un contexto general pero que nos pueden valer como regla general.
Una cosa importante. Si eres de los que piensa que tienes que llevar un ampli de 300w porque vas a tocar en Wembley vete olvidándote. En eventos grandes o incluso medianos lo que se hace es microfonear el equipo, es decir, el técnico coloca un micro al ampli y el volumen sonará lo que permita que suene el equipo principal del evento. Alguno quizá se ha llevado una desilusión pero si, si tienes un ampli de 50w a válvulas es posible que te escuchen en un estadio.
ampli y micro

El RESUMEN de todo lo expuesto podría ser el siguiente. Lo primero que tenemos que saber es el contexto, es decir, para qué voy a utilizar el amplificador.
A-CASA: Combo a transistores de 10w o menos y si puede tener efectos incorporados y toma de auriculares mejor.

B-LOCAL DE ENSAYO: Combo o cabezal a transistores a 50w o válvulas a 30w como mínimo.

C-ESCENARIO. Combo o cabezal (preferiblemente) de al menos 50w en válvulas y 100w a transistores.

Para finalizar, nuestra recomendación a nivel general es que utilicéis equipos de válvulas siempre que el presupuesto lo permita. Los recomendamos por su versatilidad y sonido muy por encima de los transistores a fecha de hoy.

Para elaborar este artículo hemos consultado:
http://musicalwars.blogspot.com/2012/05/guia-para-escoger-amplificador-de-guitarra-electrica.html